Foto: JOSE SILVA

A 75 años de la muerte de Carlos Gardel, el tango aún llora su ausencia. Como en cada aniversario, su Buenos Aires querido recuerda al Zorzal Criollo, al tanguero más importante de la primera mitad del siglo pasado.

Para develar el trágico final, lanacion.com habló con el comodoro retirado de la Fuerza Aérea Argentina Luis Eduardo Ortiz, quien realizó una minuciosa investigación técnica para conocer las causas que motivaron el accidente aéreo en Medellín, Colombia.

“Descarto un atentado”, dijo este aviador e ingeniero aeronáutico con más de 40 años en el estudio de este tipo de accidentes. Ortiz comentó que era una materia pendiente investigar sobre la muerte del ídolo de su padre, fanático del tango. Ahora, con la recreación de lo sucedido aquel 24 de junio de 1935, habló del fuerte viento de ese día, de un avión cargado al límite de su peso y de un piloto con escasa experiencia en naves de gran porte. A partir de este trabajo, que incluso fue reconocido internacionalmente, siente que cumplió con una de sus misiones en la vida.

Musa inspiradora. Para Cacho Castaña, “Gardel murió, pero no muere”. Y agregó: “Mueren los olvidados, él nunca”. En una entrevista con lanacion.com, el artista habla de su cercanía con Gardel, de su admiración y de su valor como musa de inspiración. “Inconscientemente, de noche, cuando uno se pone a componer te inspirás en Gardel y en muchos otros de los grandes; uno piensa en ellos; cuando los fantasmas atraviesan las paredes se sientan al lado mío y es un momento mágico”, cuenta.

“Soy Cacho de Buenos Aires y tengo un sueño escondido: cantar igual que Gardel”, reza uno de sus tangos predilectos. “Mi Buenos Aires querido, antes del amanecer, voy a entoldarte las calles por si volviera Gardel”.

Fuente La Nacion

En un monumento en Munich, los fanáticos alemanes armaron su propio altar, en la víspera del aniversario de su muerte.

Primero parecía un rumor. No es raro que se haga circular el “pescado podrido”, como se dice en la jerga, sobre todo a propósito de grandes estrellas. Pero tratándose de un artista de la talla y fama de Michael Jackson, de inmediato saltó la señal de alerta en el periodismo del espectáculo de todo el mundo. “Habría muerto el rey del pop”, titulaban algunos portales y nadie sabía qué de cierto había en semejante afirmación.

Las horas pasaban y el rumor iba tomando forma de noticia. El mundo se mantenía en vilo a la espera de un dato que aclare algo, con el profundo deseo de que no sea otra cosa que una falacia más de los que gustan de inventar chismes.

Inmediatamente después de conocer la noticia, los fanáticos del Rey del Pop se manifestaron en su memoria; aquí, con los guantes, uno de los íconos más representativos del artista

Pero como dice el dicho, “las malas noticias vuelan”, en pocas horas la incertidumbre llegó a su fin con el fatídico titular del sitio de Internet del diario Los Angeles Times (diario de la ciudad en la que estaba residiendo el cantante): “Murió Michael Jackson”.

Una profunda tristeza invadió a los fanáticos de un artista que se consagró hasta obtener el título de Rey del Pop y fue reconocido en todo el mundo. Pero pasado el shock y el duelo, una avalancha de preguntas exigieron una respuesta urgente: ¿Qué pasó? ¿Por qué murió el artista pop más destacado de los últimos tiempos?

Las hipótesis de su muerte. El primer señalado por el fallecimiento del cantante fue su médico personal, Conrad Murria, quien había sido contratado para cuidar la salud de Jackson mientras éste se preparaba para una monumental serie de conciertos en Londres, y fue la última persona que lo vio con vida. Cuando se confirmó que el astro falleció por una sobredosis de un anestésico, todas las acusaciones fueron hacia él.

Este retrato, titulado El ojo azul de Michael Jackson, forma parte de la docena de retratos inéditos íntimos realizados en 1999 por el fotógrafo francés Arno Bani.

“Soy inocente”, repitió una y otra vez el médico, pero tuvo que admitir en el juicio le administró el anestésico de hospital propofol y otros sedantes al artista, y esta fue la mala praxis que le provocó la muerte. Tras varias audiencias, fue procesado.

No obstante, la familia no está conforme. Y la hipótesis de un asesinato por dinero cada vez cobra más fuerza. Recientemente, Latoya Jackson, hermana de la superestrella, explicó en una entrevista con la cadena televisiva GMTV sus razones para sostener esa teoría. “Valía mucho más muerto que vivo”, aseguró. “Desde el día que averigüe que Michael ya no estaba con nosotros, cuando mi madre me gritó en el teléfono que estaba muerto, enseguida me pregunté quién lo había hecho”, relató tras destacar que la sentencia que considera la muerte un accidente es “es una bofetada en la cara, no sólo para Michael sino para toda la familia”. “Es totalmente injusto, equivocado y no fue un accidente”, sentenció.

La acusación no es nueva, ya que semanas después de la muerte de Michael Jackson, la también cantante dio sendas entrevistas a tabloides británicos en las que no sólo argumentaba la tesis del asesinato sino que decía saber quiénes eran los asesinos.

“Hubo una conspiración. Creo que fue todo por el dinero. Michael valía más de 1.000 millones de dólares en activos por derechos de difusión musical y alguien lo mató por eso. Valía más muerto que vivo”, dijo entonces la hermana mayor del cantante.

Latoya aseguró que ese “grupo de personas” robaron 2 millones de dólares en efectivo y numerosas joyas de la casa de su hermano, que le engancharon a las drogas, que le aislaron de su familia y amigos “para que se sintiera solo y vulnerable”, y que le obligaron a trabajar “hasta la extenuación” para seguir ganando dinero.

Michael, según el testimonio de Latoya, no quería dar la serie de 50 conciertos que tenía programados en Londres el año pasado.

“Hace menos de un mes, yo dije que pensaba que Michael iba a morir antes de las actuaciones de Londres porque estaba rodeado de gente que no albergaba las mejores intenciones en su corazón”, dijo el año pasado Latoya, que definió a su hermano como una persona “muy dócil, callada y cariñosa, de la que la gente se aprovechaba”.

Fuente La Nacion

Oh, drink a bit of wine we both might go tomorrow. Cuando pienso en Jeff Buckley, las preguntas, el por qué, el miedo y la tiranía de la inexorabilidad y la incertidumbre se agolpan conformando un único y enorme nudo en la garganta. Cuando escucho a Jeff Buckley trato de imaginar qué estaba pensando. Me pregunto si él sabía, si él quería o presentía, si buscaba su Vida Eterna o tan sólo buscaba respuestas. Me pregunto si las encontró o qué encontró; me pregunto si tan sólo halló un final trágico, su salvación que fue también su condena. Pregunto pero a mí, el Mississippi no me habla.

So I´ll wait for you and I´ll burn, ´Cause it´s not too late. Podemos, claro, seguir con lo que dejó. Quedarnos con su voz única, con su belleza, con su imagen de crooner eternamente joven. Y Grace, los discos póstumos, sus letras y esa expresividad hermosamente funesta. Podemos hasta intentar buscar, aunque sepamos que será en vano, huellas o rastros, reconstruir su cosmovisión, su mirada particular acerca de la vida, el amor, la felicidad y la muerte. Mañana 29 de mayo se cumplen trece años del episodio que lo resignificó terminando con su existencia corpórea, y que lo unió con su malogrado papá Tim en el más allá (cabe recordar que Buckley Sr. y Buckley Jr. no se llevaron nada bien, y que Jeff solía decir que su cantante preferido de todos los tiempos era Robert Plant, un poco para ningunear el enorme talento del creador de discos indispensables como Lorca o el maravilloso Live in London 1968, serio candidato al mejor vivo de la historia). Este es nuestro pequeño homenaje pero no nuestro último adiós.

OK, vamos con un Top Five totalmente Random, para que lo escuchemos en varios ánimos y en su amplitud vocal, con dos de Grace (la hermosa hermosa hermosa, “Lover, You Should´ve Come Over” y la que le da el nombre al disco); dos de Sketches for My Sweetheart the Drunk (la oscura “Nightmares By the Sea” y la alegre y más beatle “Witches´ Rave”); y una del vivo Mystery White Boy, “I Woke Up in a Strange Place”. Me quedo con ganas de mucho más, sépanlo.

“Lover, You Should´ve Come Over”
“Nightmares By the Sea”
“I Woke Up in a Strange Place”
“Witches´ Rave”
“Grace”

Fuente Hot Tracks, Autor: Yamila Trautman

El 20 de diciembre, aniversario de la muerte de Carl Sagan. Y que mejor tributo que continuar su lucha a favor del pensamiento crítico y el escepticismo.

Carl Sagan intentaba explicar la ciencia, y el pensamiento crítico, y en sus últimos años de vida escribió el maravilloso libro El mundo y sus Demonios, donde explica la relación y el parecido que tienen la ciencia y la democracia. Y que si el mundo sigue resignándose a entender la ciencia, y sigue creyendo en Pseudociencias como la Astrología, los OVNIs y otras tantas disciplinas; la charlatanería, la ignorancia, las mentiras y la corrupción inundarán la sociedad cada vez más.

“Hemos preparado una civilización global en la que los elementos más cruciales —el transporte, las comunicaciones y todas las demás industrias; la agricultura, la medicina, la educación, el ocio, la protección del medio ambiente, e incluso la institución democrática clave de las elecciones— dependen profundamente de la ciencia y la tecnología. También hemos dispuesto las cosas de modo que nadie entienda la ciencia y la tecnología.

Eso es una garantía de desastre. Podríamos seguir así una temporada pero, antes o después, esta mezcla combustible de ignorancia y poder nos explotará en la cara.”

Fuente: José Zanni blog

La familia de Mercedes Sosa subió inmediatamente a la página web de la cantante, un comunicado en el que informó la muerte de la artista, ocurrida hoy a las 5.15 en el Sanatorio de la Trinidad.

El texto familiar es el que sigue: “En el día de la fecha, en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, tenemos que informarle que la señora Mercedes Sosa, la más grande Artista de la Música Popular Latinoamericana, nos ha dejado.

Haydé Mercedes Sosa, nació el día 9 de Julio de 1935 en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Con 74 años de edad y una trayectoria de 60 años, Ella transitó diversos países del mundo, compartió escenarios con innumerables y prestigiosos artistas, y dejó además, un enorme legado de grabaciones discográficas.

Su voz llevó siempre un profundo mensaje de compromiso social a través de la música de raíz folclórica, sin prejuicios de sumar otras vertientes y expresiones de calidad musical.

Su talento indiscutible, su honestidad y sus profundas convicciones dejan una enorme herencia para las generaciones futuras. Admirada y respetada en todo el mundo, Mercedes se constituye como un símbolo de nuestro acervo cultural que nos representará por siempre y para siempre.

Sus restos serán velados en el Salón de los Pasos Perdidos, en el Honorable Congreso de la Nación, Avda. Rivadavia 1864 a partir del mediodía de hoy.

Su Familia, allegados y amigos, agradecen profundamente el acompañamiento y el apoyo expresado en estos días”.

Los últimos días. El parte médico entregado ayer había determinado que su estado de salud era delicado como consecuencia del “deterioro de sus funciones orgánicas” y algunos allegados a la cantante incluso habían precisado que apenas “le funcionaba el corazón”.

La situación de la intérprete fue empeorando desde el miércoles pasado, cuando debió ser alojada en una sala de terapia intensiva en que se la conectó a un respirador artificial para hacer frente a una afección renal progresiva que comenzó a afectarle también los pulmones y el corazón.

Ayer hubo una menguada guardia periodística y pocos visitantes, entre los que se contaron a las cantantes Teresa Parodi y Julia Zenko.

Por la tarde también se hicieron presentes en el sanatorio del barrio de Palermo los habituales colaboradores de Mercedes Sosa en los recitales, tales como Popi Spatocco, Carlos Genoni, Rubén Lobo y Jorge Giuliano, quienes se sumaron al apretado núcleo familiar que acompaña a la artista.

Anteayer, Sosa recibió la extremaunción por parte del padre Luis Farinello.

Fuente La Nación

Los Ángeles (EEUU), 24 ago (EFE).- Padre del denominado “nuevo periodismo” en EEUU, el extravagante Truman Capote continúa cautivando 25 años después de su muerte, que se cumplen mañana, gracias a su genial obra y a una vida tan excéntrica como destructiva.

Emocionalmente inestable desde su infancia, el prestigioso escritor terminó por ser víctima de su propia afición por novelar hechos y personajes reales, un estilo que le llevó al éxito profesional pero le hundió personalmente.

Capote murió a los 59 años en Los Ángeles el 25 de agosto de 1984 después de largos episodios de abusos de drogas y depresión, un estado en el que se sumió después de tocar el techo de su carrera y ser repudiado por la alta sociedad neoyorquina a la que tanto anheló pertenecer.

Hijo de unos padres que le ningunearon, nació el 30 de septiembre de 1924 en Nueva Orleans y se crió con sus primos en Alabama.

Su nombre original, Truman Streckfus Persons, mutaría a Truman García Capote en 1935 cuando su padrastro, Joseph García Capote, aceptó adoptarlo como hijo propio.

Dos años antes, Lillie Mae, madre que le abandonó con sus parientes cuando era pequeño y se fue a vivir a Nueva York, se hizo con la custodia única del prometedor escritor, que abandonó el sur del país para mudarse a la ciudad de los rascacielos.

El cambio permitió a Capote dar el primer paso hacia su ansiado sueño de aristocracia y perseguir un trabajo en la prestigiosa revista The New Yorker, donde consiguió entrar en 1941.

Excéntrico, de particular forma de expresarse, abierta homosexualidad y gran don de gentes, Capote supo ganarse poco a poco el afecto de personalidades de la alta sociedad, quienes le abrieron la puerta de sus casas.

Tiranteces con unos colegas de profesión terminaron por forzar su salida de The New Yorker en 1944.

Libre de ataduras halló acomodo con colaboraciones en publicaciones con un público más afín a sus textos y comenzó a labrarse una fama que ya no le abandonaría.

Su primer libro saldría cuatro años más tarde, “Other Voices, Other Rooms” (“Otras voces, otros ámbitos”), en el que sacó punta a su agudo sentido de la provocación con una historia en la que un joven se enamora de un travesti.

En 1949 vería la luz “Tree of Night and Other Stories” (“Un árbol de noche y otras historias”), un compendio de relatos cortos que escribió para varias revistas y en 1951 saldría su segunda novela “The Grass Harp” (“El arpa de hierba”).

Capote hizo guiones para el cine en una década muy productiva que tendría como colofón el estreno de una de sus novelas más conocidas “Breakfast at Tiffany’s” (“Desayuno en Tyffany’s” o “Desayuno con diamantes”, 1958), popularizada posteriormente en la gran pantalla por la película homónima ganadora de dos Óscar protagonizada por Audrey Hepburn.

Un año después tendrían lugar los cruentos asesinatos de la familia Clutter en Holcomb, un pueblo de Kansas, en los que Capote vio el argumento perfecto para la que sería su obra maestra.

El escritor, acompañado por Harper Lee, su amiga de la infancia y ganadora de un Pulitzer por “To Kill a Mockingbird” (“Matar a un ruiseñor”, 1960), se tomó seis años para recopilar la información sobre los sucesos de Holcomb mediante entrevistas a los vecinos de la zona que le fueron dando las pistas que necesitaba para esclarecer lo ocurrido.

Un trabajo que llamó “In Cold Blood” (“A sangre fría”) y arrasó en las librerías en 1966 con una técnica literaria en la que un narrador omnisciente reconstruía los hechos del homicidio tal y como ocurrieron.

Esta forma de relatar calificada como “novela de testimonio” supuso una novedad en aquel momento y le valió el título de padre del nuevo periodismo estadounidense.

“A sangre fría” supuso la cima de su carrera profesional y el reconocimiento de la aristocracia de Manhattan que congregó en la famosa fiesta Black and White Ball, que él mismo organizó en el hotel Plaza y fue el culmen de su vida social.

Sin embargo, el incisivo escritor terminaría por ganarse la animadversión de sus amigos ricos y famosos cuando optó por publicar textos ficticios basados en personajes reales de la alta sociedad neoyorquina.

El interés por Capote recobró nuevos bríos en 2005 con el estreno del filme biográfico “Capote” por el que Philip Seymour Hoffman obtuvo el Óscar por la mejor interpretación masculina protagonista.

Fernando Mexía

Uno de los poetas más recordados en el mundo es Federico García Lorca, no precisamente por su grandes poemas, sino porque contrario a otros poetas militantes igualmente prestigiosos de su época, nunca perteneció a partido alguno, razón por la cual murió.

Hoy se cumplen 70 años de su muerte y en España la celebración de su aniversario tendrá lugar en Alfacar (Granada), donde reposan sus restos. Allí se rendirá también tributo a las víctimas de la guerra civil, en un homenaje en el que participarán representantes del mundo de la cultura y estudiantes de universidades extranjeras que han investigado la figura de García Lorca.

El poeta encerrado en las cárceles del franquismo y condenado a muerte a los 38 años por ejercer su libre pensamiento y por manifestar su ideología, ha sido uno de los más y peor leídos de nuestra lengua. Quizás deba su gloria a su muerte absurda.

“Era de izquierdas, tenía gran éxito como escritor y era homosexual”, dijo el historiador y escritor Ian Gibson. También era hijo de un hacendado y una maestra que le enseñó a tocar el piano desde niño. Intentó estudiar derecho en la universidad, pero abandonó la academia para dedicarse exclusivamente a la literatura, la pintura y la música.

A los 21 años se mudó a Madrid donde hizo amistad con Dalí, Buñuel y Alberti, con quienes encontró una respuesta a la desolación de la vida moderna.

A pesar de su prestigio y popularidad, luego de una crisis emocional García Lorca decidió viajar a Cuba y Estados Unidos en busca de alivio y nuevas fuentes de inspiración. El viaje produjo una obra maestra: Poeta en Nueva York, un libro que expresa el horror ante la falta de raíces naturales, la ausencia de una mitología unificadora o de un sueño colectivo que den sentido a una sociedad impersonal, violenta y desgarrada.

En general, su obra, que puede agruparse en farsas, comedias, tragedias y dramas, se inscribe en el dramatismo y el realismo político, inspirado en temas como el amor, la esterilidad, la infancia y la muerte.

Estos poemas, su desenfadada homosexualidad, y la firma del Manifiesto a favor del Frente Popular, que ganó las elecciones del año 36 en España, fueron los motivos que activaron la mano de sus asesinos.

A continuación, uno de sus poemas más celebres:

La casada infiel

A Lydia Cabrera y a su negrita

Y que yo me la llevé al río
creyendo que era mozuela,
pero tenía marido.
Fue la noche de Santiago
y casi por compromiso.
Se apagaron los faroles
y se encendieron los grillos.
En las últimas esquinas
toqué sus pechos dormidos,
y se me abrieron de pronto
como ramos de jacintos.
El almidón de su enagua
me sonaba en el oído,
como una pieza de seda
rasgada por diez cuchillos.
Sin luz de plata en sus copas
los árboles han crecido
y un horizonte de perros
ladra muy lejos del río.
*
Pasadas las zarzamoras,
los juncos y los espinos,
bajo su mata de pelo
hice un hoyo sobre el limo.
Yo me quité la corbata.
Ella se quitó el vestido.
Yo el cinturón con revólver.
Ella sus cuatro corpiños.
Ni nardos ni caracolas
tienen el cutis tan fino,
ni los cristales con luna
relumbran con ese brillo.
Sus muslos se me escapaban
como peces sorprendidos,
la mitad llenos de lumbre,
la mitad llenos de frío.
Aquella noche corrí
el mejor de los caminos,
montado en potra de nácar
sin bridas y sin estribos.
No quiero decir, por hombre,
las cosas que ella me dijo.
La luz del entendimiento
me hace ser muy comedido.
Sucia de besos y arena
yo me la llevé del río.
Con el aire se batían
las espadas de los lirios.

Me porté como quién soy.
Como un gitano legítimo.
La regalé un costurero
grande, de raso pajizo,
y no quise enamorarme
porque teniendo marido
me dijo que era mozuela
cuando la llevaba al río.

Fuente: Redacción Universia

El 22 de febrero de 2008  se cumplen setenta años de la muerte del poeta Antonio Machado, otro de los grandes nombres de las letras hispanas, integrante de la Generación del 98.

Nació en Sevilla el 26 de julio de 1875 en el seno de una familia liberal y numerosa. Con ocho años de edad se trasladó con ella a Madrid y estudió en la célebre Institución Libre de Enseñanza de Francisco Giner de los Ríos, amigo de su padre. En 1889 comenzó sus estudios de bachiller, los cuales interrumpió varias veces por los problemas económicos que acosaron a su familia tras la muerte de su padre. No obstante, durante estos años recibió otro tipo de formación en tertulias literarias y en el trato con quienes conocía en ellas. Colaboró en varias publicaciones e inició su obra poética siguiendo los cánones del Modernismo.

En 1899 viajó a París para visitar a su hermano Manuel, también poeta, y trabajar como traductor para una editorial. Allí conoció a Pío Barroja y Oscar Wilde, así como a Rubén Darío en 1902, durante su segundo viaje a la capital francesa. A su vuelta a Madrid publicó Soledades (1903) y empezó a colaborar en la revista Helios, coincidiendo con Valle Inclán, Juan Ramón Jiménez, su hermano Manuel, Unamuno o Azorín. En 1906 consiguió una plaza de profesor de francés en Soria, donde permaneció los siguientes cuatro años. En 1907 publicó la ampliación Soledades. Galerías. Otros poemas y dos años después se casó con la jovencísima Leonor Izquierdo. Logró una beca para perfeccionar sus estudios de Filología Francesa y, durante 1910 y 1911, residió en París. Sin embargo, su esposa cayó enferma de tuberculosis y se vieron obligados a regresar a Soria. Ella murió un año después, sumiéndolo en la más honda de las tristezas. Pocos días antes del fatal desenlace, sus Campos de Castilla habían visto la luz de la publicación. En este nuevo trabajo, Antonio Machado se aleja del Modernismo para volcar su mirada crítica sobre su tiempo y expresar su inquietud por la situación de España, tal y como hicieron los demás integrantes de su Generación.

Machado pidió el traslado a Baeza (Jaén), donde siguió enseñando y escribiendo poesía en un ambiente cerrado que no le apasionaba demasiado. En 1917 publicó la primera edición de sus Poesías Completas y dos años después dejó Andalucía para dar clases en Segovia. Fueron unos años en los que escribió menos poesía y más ensayo y crítica, aunque en 1924 apareció el libro de poemas Nuevas Canciones con trabajos de Baeza y de su nuevo destino. Además, comenzó a escribir teatro junto a su hermano.

Fue elegido miembro de la Real Academia de la Lengua en 1927, pero nunca ocupó su sillón. Al año siguiente conoció a la Guiomar de sus poemas, Pilar Valderrama, su amor y musa. Su relación se vio truncada a causa del estallido de la Guerra Civil en 1936 y el exilio. Poco antes de la contienda, Machado publicó Juan de Mairena, libro en prosa con un compendio de ensayos.

El poeta, partidario del bando republicano, abandonó Madrid en el mes de noviembre con destino a Valencia. En 1937 publicó La guerra, prosa y verso sobre lo que estaba sucediendo, y también colaboró con artículos en el periódico La Vanguardia. Enfermo, marchó a Barcelona, ciudad que abandonaría también a comienzos de 1939, dirección a Francia. Poco después, un día como hoy, murió en la localidad francesa de Collioure, donde reposan sus restos.

Más información:

• Poemas en audio de Antonio Machado
• Ficha de Antonio Machado en Cervantes Virtual
• La obra poética de Antonio Machado
• Temas recurrentes en la poesía machadiana

Fuente: Espacio Libros